La “oligarquía nuclear” plasmada en el libro póstumo del ambientalista y cineasta Juan Schröder

La ingeniera agrónoma María Angélica Kees fue una de las colaboradoras para que la edición saliera a la luz. Dialogó con Conclusión sobre la vida del autor y su obra, como también del encuentro que él mantuvo con Perón en Madrid, en 1972. "Es un libro indispensable".

Por Graciana Petrone

Nuclear. ¡No gracias! es el título del libro póstumo del ambientalista, cineasta y constitucionalista Juan Schröder que se presentó en la Feria Internacional del Libro en Buenos Aires la semana pasada. La obra es el corolario de una extensa trayectoria: fallos judiciales inéditos, luchas, reformas constitucionales, ponencias e investigaciones, entre otros sucesos que tuvieron como referente principal a su autor, fallecido en 2021.

Prolífico y tenaz, Schröder fue uno de los que trabajó en materia medioambiental en la reforma de la Carta Magna de 1994. Años más tarde, un litigio con una empresa japonesa por las toninas overas del sur sentó las bases en el Derecho Ambiental de la figura legal “intereses difusos”.

A partir de ese fallo de la Corte Suprema de Justicia de la Nación, a favor del ambientalista, quedó establecido que cualquier persona puede reclamar por derechos medioambientales aún si no es un afectado directo.

“Nuclear. ¡No gracias!” reúne, entre otros temas, documentación diversa e inédita, un análisis detallado de cuánto dura en el ambiente la energía radiante y el peligro que significa para la salud. También muestra archivos de investigación sobre las pruebas que Estados Unidos realizó en humanos con material radioactivo.

En diálogo con Conclusión, la ingeniera agrónoma, ambientalista y funcionaria chaqueña María Angélica Kees, quien colaboró en la edición del libro y estuvo al tanto de las investigaciones de Schröder, contó sobre el contenido de la obra y la vida de su autor.

Entre muchos de los recuerdos que evocó está la ocasión en que Schröder fue invitado en 1972 por Juan domingo Perón a Puerta de Hierro, en Madrid, y en donde pudo ver, de puño y letra del general, la Carta Abierta que después se conoció como el “Mensaje Ambiental a los Pueblos y Gobiernos del Mundo” y que el 5 de junio de ese mismo año se presentó en la primera reunión de las Naciones Unidas sobre Medioambiente y Desarrollo.

 

Constitución y Derecho

“Antes que nada, Juan Schröder fue constitucionalista. Trabajó mucho el artículo de la reforma de la Constitución de 1994 del Derecho al Ambiente Sano y también el deber de restituirlo cuando se lo daña. Logró acuerdos de base para que quede muy claro que Argentina no podía ni debía ser destinataria de desechos nucleares”, explicó Kees.

La ingeniera agrónoma también relató el litigio que mantuvo Schröder con Kattan “en donde sientan las bases de la defensa de lo que son los intereses difusos, que no existía en el mundo hasta ese momento y ellos logran el reclamo en defensa de las toninas overas en el sur de Argentina en donde un grupo empresario japonés se las quería llevar”.

“Hasta ese momento –explicó–sólo podían litigar en cuestiones ambientales quienes eran afectados directos y ellos logran sentar las bases de que alguien pueda reclamar por cuestión ambiental, aunque no lo afecte en su cuerpo y en su entorno directo, sino como parte del gran ecosistema planeta tierra que, cuando se afecta un elemento, se afecta todo lo demás”.

 

Perón, un adelantado en su tiempo

“Juan Schröder hizo un documental sobre la vida de Eva Duarte y Perón lo invitó en 1972 a España, a que fuera a visitarlo. En ese encuentro personal se selló una amistad, pero además Juan (Schröder) pudo ver, de puño y letra del general Perón, el texto de lo que después se llamó Mensaje Ambiental a los Pueblos y Gobiernos del Mundo, en donde Perón marca mucho los antecedentes ambientales”, dijo.

“En febrero del 72 –continuó– el general Perón plantea esa carta abierta en donde dice que lo económico no es lo único prioritario, que depende también lo ecológico y no era una visión que había en ese momento. Él lo dice en febrero o marzo del 72 y en junio se reúne por primera vez Naciones Unidas en Estocolmo, Suecia, y de ahí viene que celebramos el Día Mundial del Ambiente, porque fue la primera reunión de Naciones Unidas sobre Medioambiente y Desarrollo”.

“Es decir, que la carta que presenta al mundo Perón fue anterior incluso a la reunión de Naciones Unidas y, de hecho, fue uno de los documentos que se usaron en esa reunión. Se ve que tenía una visión extraordinaria”, remarcó Kess.

También recordó que cuando Perón asume el poder en la Argentina, a su regreso de España, instala la primera Secretaría de Medioambiente en América Latina y la pone a Yolanda Ortiz como secretaria. “De allí que tenemos hoy la ley Yolanda, por ella. Había caminos interesantes en las perspectivas de Perón”.

Fragmento de la entrevista a Angélica Kess (AUDIO)

Antinuclear, ¡Sí, gracias!

“En 2013 Juan Schröder escribió un texto sobre la cuestión nuclear y a mí me pareció tan claro que le dije que tenía que dejar por escrito toda esa información que manejaba después de tantos años de militancia. Juan era antinuclear, pero en el sentido de la energía nuclear como fuente de energía. Los otros usos, bueno, podemos sentarnos a conversar”, reflexionó Kees.

Un año después, el ambientalista empezó a escribir sobre la cuestión nuclear planteada como “la oligarquía nuclear” y así cuenta en el libro lo que pasó en Fukushima y en Chernobyl.

“Todo está en el libro. También reproduce un documento que ha circulado mucho, que es una carta que escribe Jaque Cousteau sobre la cuestión energética y que me parece que es muy importante”, señaló.

Otro de los documentos que se publican es una entrevista al vicealmirante Carlos Castro Madero, designado durante la última dictadura cívico militar como delegado de la Comisión Nacional de Energía Atómica.

“Fue uno de los personajes negros de nuestra historia que tanto ha tenido que ver con la ruleta rusa a la que nos obligan a jugar con la energía nuclear. Por esta razón me parece que el libro es imprescindible y oportuno, porque aún cuando Juan no esté vivo, queda un planteo muy claro respecto del verdadero impacto de la energía nuclear», sentenció la agrónoma.

 

Contaminación y oligarquía

“En uno de los capítulos Schröder hace un minucioso análisis de cuánto dura en el ambiente la energía radiante y que es peligrosa para la salud. Estamos hablando, en algunos casos, de 100 mil años. No existe siquiera la posibilidad mental de comprender esta dimensión de tiempo, teniendo en cuenta que uno vive entre 70 y 80 años, con suerte”.

En otro de los capítulos, al que Kees consideró como “espeluznante”, se muestran documentos originales de las pruebas que se hicieron en Estados Unidos con personas determinadas sobre el impacto de la contaminación nuclear.

“Es información que no está en todos lados. Cuando yo leí ese capítulo de Juan no podía, la verdad, más que llorar pensando en las familias que tuvieron que descubrir muchos años después, de que sus familiares habían sido conejitos de indias de esta corporación oligárquica nuclear que, a nivel del mundo, parecen estar todos de acuerdo”.

 

Sin dosis seguras

“Una de las cosas que Juan discute mucho, y que se ve en el libro, es que no se prestó mucha atención a determinados índices porque se consideraron los beneficios económicos: ‘Que el impacto sea tan bajo como razonablemente posible dice en una parte del libro’”.

Kees citó también a Raúl Montenegro, amigo de Schröder y a quien consideró como “otro de los monstruos en la Argentina en este tema” y que también aseguró que “no hay dosis segura en lo nuclear y que cualquier nivel de radiación tiene riesgo”.

“Creo que vale la pena leer el libro porque abre un abanico de información que no ha estado al alcance de los ojos y de la toma de conciencia de toda la sociedad. Nosotros sólo hemos oído el discurso pro nuclear y el discurso de que nosotros somos como de punta tecnológica en el mundo y en realidad podemos usar esa tecnología para la salud y para muchas otras cosas más, pero deberíamos tener mucho cuidado con los usos para obtener energía de lo nuclear”, concluyó Kees.

Publicado en Diario Conclusión.

Porque el Diego siempre es noticia: emoción por una foto de los Juegos Evita 1973

El Diego o “Pelusa” como lo llamaban en su casa desde chico, jugaba para Los Cebollitas de Argentinos Juniors que dirigía Francis Cornejo.  Su participación en los Juegos Nacionales Evita de 1973 fue una de las primeras incursiones públicas del 10

Foto: Twitter @ilpeto

Por Graciana Petrone (nota publicada el 5 de marzo de 2019

Si algo no tiene margen de discusión es que El Diego es El Diego, no hace falta aclarar a quién se hace referencia. Ya sea una declaración que brinde a los medios; o si sigue en pareja con Rocío Oliva o con la madre del pequeño Dieguito Fernando; o si su estado de salud tambalea; o por tener a los hinchas en vilo viendo un partido de Dorados de Sinaola de la B mexicana. Nada queda en las sombras. Con Diego eso nunca va a suceder.

Y esta semana, mientras festeja otro triunfo de Dorados y le gana un partido judicial a Claudia Villafañe, que le ordena entregar sus trofeos de guerra (camisetas históricas y premios), una foto que fue subida a Twitter provocó un sinfín de reproducciones y generó que muchos recordaran con ternura el inicio de una carrera gloriosa.

La foto salió publicada en El Gráfico a fines de diciembre de 1973. La imagen es entrañable. El pibe de Villa Fiorito –con la camiseta 10 del equipo Los Cebollitas–, se acercó a consolar al jugador correntino Alberto Pacheco, que había perdido contra Entre Ríos en los Juegos Nacionales Evita, disputados en Embalse, en el Valle de Calamuchita.

Y como todo lo que hace y dice Diego genera alguna discusión, hasta en la nota publicada en El Gráfico a fines del 73 se pone en tela de juicio dónde se hospedó cuando viajó a Córdoba. Sí, una simple imagen de Maradona de purrete, genera discusión y polémica, así fue y será su vida, dentro y fuera de la cancha.

De acuerdo a las declaraciones y recuerdos de quienes estuvieron en aquella edición de la competencia, “Maradona estuvo en Embalse y no en Río Tercero” y se habría alojado en el hotel de la Unidad Turística.

Eduardo Luchini, jefe de atención al turista de la UTE, contó a El Gráfico: “Maradona vino con Los Cebollitas al Torneo Evita y no a Río Tercero como él cuenta en su libro. Fue acá, en Embalse. Y los partidos se jugaron en la vieja cancha del hotel 1, donde ahora hay una de rugby. Recuerdo que a todos nos recomendaban ir a ver un negrito que tenía la 10 de Argentinos Juniors y era una barbaridad. Me acuerdo del partido con los santiagueños. Justo ese año, 1973, empecé a trabajar acá, en los hoteles. Y estando en el hotel 6, donde había como un gran depósito de elementos deportivos, conseguimos camisetas para los chicos santiagueños, que habían tenido un problema. Me acuerdo del partido, y si mi memoria no me falla, con Maradona jugaba Domenech. Los Cebollitas los tenían locos a los santiagueños, pero sobre el final, uno de ellos les clavó un zapatazo de mitad de cancha. Y se fueron a los penales, y les ganaron a los de Argentinos. Después salieron campeones. Pero ese negrito flaquito, que después fue Maradona, era tremendo. Mucha gente iba a ver al 10. Muchos aún dicen que lo vieron en el Polideportivo. Y no, fue en la cancha del hotel 1, donde también había canchas de básquet, y ahora está todo destrozado. Había tribunas de madera. Mi viejo hacía el sonido del evento y después le dieron una medalla. No puedo recordar, pasó mucho tiempo, dónde se alojaron Los Cebollitas, si fue en hotel 3 o en el 5(…)”.

Lo que contó Luchini contradice a lo que el mismo Maradona relata en su libro “Yo soy el Diego”, a través de la pluma del periodista deportivo Ernesto Cherquis Bialo. Claro está, que para mucha gente, Embalse y Río Tercero es  lo mismo.

Diego llegó a Embalse en diciembre de 1973, con 13 años, para disputar los Juegos Nacionales Evita que se habían suspendido en 1949 y que el gobierno se decidió retomar con el retorno de la democracia.

“Cuando asumió el gobierno peronista en 1973 con el doctor Cámpora, en el lugar donde se hizo el complejo deportivo del hotel N° 1 de la Unidad Turística había un bosque. Yo mismo vi cuando arrancaron los árboles e hicieron un complejo que tenía pista de atletismo, canchas de tenis, un círculo para lanzamiento de martillo, y la cancha de fútbol”, contó a la reconocida, aunque ya inexistente revista deportiva, José Pérez, un respetado comunicador de Embalse.

El Diego o “Pelusa” como lo llamaban en su casa desde chico, jugaba para Los Cebollitas de Argentinos Juniors que dirigía Francis Cornejo.  Su participación en los Juegos Nacionales Evita de 1973 fue una de las primeras incursiones públicas del 10.

¿Cuánto de mito o de verdad generó su visita entonces? ¿Será cierto también que muchos se “peleaban” por regalarle una Coca “al negrito que la rompía cuando salía a la cancha” al final de cada partido? ¿Será real que Jorge Cysterpiller no lo dejaba ni a sol ni a sombra y era el único que le acercaba un refresco al 10? Como muchas cosas que giran en torno a la figura de Maradona quedarán en discusión entre los que fueron testigos de aquello que ocurrió tras las sierras. Lo único que no deja margen para la duda es el consuelo que aquel pibe de Villa Fiorito le dio al futbolista correntino, luego de la derrota de su equipo, y que quedó inmortalizada en una foto que pinta de cuerpo y alma cómo era Diego cuando entraba a una cancha de fútbol.

Para Diario El Ciudadano   

Por un mundo más igualitario: Las voces de los cuatro artistas argentinos que expusieron en la ONU, en Ginebra

 

Los cuatro artistas contaron cómo se gestó cada una de sus obras que llegaron nada menos que a Naciones Unidas.

Por Graciana Petrone para Revista El Visitante 

Barrotes cerrados que impiden sanar el dolor, un juego en el que sube el que más dinero tiene y baja el que no tiene, la transformación de la fragilidad a la fortaleza para poder luchar y el grito de indignación por la desigualdad de la riqueza en el mundo.

Las obras de los cuatro artistas plásticos argentinos que fueron seleccionadas para exhibirse en la sede de la ONU en Ginebra, Suiza, tras la convocatoria internacional #ImagineEquality “El arte de la igualdad. Un viaje hacia la Justicia”, están fuera de toda comprensión formal, ya que en cada una de ellas hay historias: las de sus autores y la de la gestación de la obra misma que, con sus particularidades, pronuncian un pedido desgarrador de igualdad a través de una de las formas más antiguas de expresión: la pintura.

La mega muestra, en la que fueron seleccionadas 38 obras de artistas de distintos países, concluye este 20 de octubre en el Palacio de la ONU en Ginebra y fue parte de la celebración de los sesenta años de la Fundación del Instituto de Naciones Unidas para el Desarrollo Social (UNRISD). Argentina, además, fue junto con Camerún uno de los dos países que tuvo cuatro representantes en la exhibición: Otto Gustavo Soria con su obra “Sube y Baja” –que además fue premiada– y Carlos Clementt con “Pobreza CEO” en la categoría Justicia Económica, respectivamente; Priscila Freire Yoder con “Hospital cerrado” en Justicia Social y Rubén Pérez Barrios con “El grito de la libélula” en Justicia de Género.     

Los cuatro artistas argentinos que contaron el proceso de construcción de sus trabajos de manera pormenorizada y el compromiso social y emocional que hay detrás de cada una de sus producciones.   

Otto Soria. Un juego en el que algunos pierden y otros ganan

Otto Soria hace cinco años que viene trabajando en “Libro de quejas”, una edición que consta de quince obras que, según contó, “todas responden a reclamos sociales y a la memoria colectiva. Sube y baja es parte de ese conjunto”.

Al hablar sobre cómo se gestó la pintura ganadora, una acuarela de 45 centímetros por 70 centímetros, el artista señaló: “La idea surgió por la desigualdad que hay en reparto de las riquezas y esa imagen se me ocurrió como para evidenciar cuán explotados están los pobres y que esa explotación sirve, de alguna forma, para que haya ricos”.

De hecho, Soria explicó que lo planteó como “un juego” y que en “Libro de quejas”, la acuarela está acompañada por un texto de su autoría que contiene una suerte de “instrucciones para ese juego en donde se indica que para ascender en ese sube y baja hay que usar dinero y, para descender, hay que perderlo”.

Soria trabaja en publicidad e intenta mantener al arte como un hobby para que, justamente, “la economía no invada el arte para poder crear libremente, sin tiempo de entregas”, y simplemente expresar lo que siente.

En 2022 expuso de forma individual en una galería de Puerto Madero en Buenos Aires en donde presentó todas las obras pertenecientes a la serie que integra el libro. También lo hizo en el marco de La Noche de los Museos en el aula de un colegio y el original de “Sube y baja” estuvo allí. Dibujante talentoso, comenzó con el lápiz y luego incursionó en la pintura con acuarela. “Me gusta porque tiene eso de incertidumbre, como la vida, uno piensa una cosa y después se va desbordando para otros lados y hay que ir tratando de reacomodarla. Es un poco el desafío tratar de domarla”.

Sobre la noticia de la selección, y luego la de la premiación dijo que lo alegró mucho. “Un poco el objetivo de mi trabajo –agregó– es señalar, marcar, llamar la atención sobre las cosas que considero están mal y que deberían ser de otra forma. Que Naciones Unidas tome a la obra para mostrarla es como que la amplifican, que le metieron un telescopio y la lanzaron al más allá”.

El compromiso social atraviesa todas las obras de los argentinos y a respecto Soria destacó: “Desde el arte se puede llamar la atención para que estos temas no queden tapados. Se me viene a la mente el Guernica de Picasso El arte es una manera linda de contar desgracias e injusticias y él, a través de algo muy bello, cuenta un verdadero desastre y es una forma de llegar a las personas”.

Rubén Pérez Barrios. Desde la fragilidad a la fortaleza

“El grito de la libélula” está inspirada en el 8 de mayo, el día en el que se recuerda a las víctimas de violencia institucional. En ese marco varios artistas habían sido convocados por el Ministerio de Cultura de la nación y la temática que eligió Barrios, desde la provincia de Santa Fe, fue con un hecho histórico que ocurrió en una de las comisarías más trascendentes de la ciudad capital de Santa Fe. “Un espacio que hoy se guarda para la memoria y en donde que se vejaba, se torturaba y se perseguía a grupos minoritarios, este caso al colectivo trans. A partir de una investigación, hablando con las chicas y escuchando distintos testimonios, es que surgió ‘El grito de la libélula’, una transformación de un estado de fragilidad a uno de fortaleza para la lucha”.

Pérez Barrios consideró que la obra “interpela sobre cuál es el papel de cada uno a la hora de defender los derechos”, en algunas ocasiones por la omisión, el silencio, o mirar para otro lado”.

El trabajo seleccionado del artista de profesión, de 54 años, nacido en Rosario y con más de tres lustros de vivir en la ciudad de Villa Gobernador Gálvez, es un mural de cinco metros de ancho por más de dos metros de alto. “En este momento está en la Fábrica Cultural el Molino, pero están desarmados. La idea es que a partir de la repercusión que hubo, tenga un lugar de descanso permanente en donde las personas puedan verlas en ese tamaño”.

Con casi 25 años de trabajo en el ámbito de las artes plásticas, galardonado y distinguido en varias ocasiones, Pérez Barrio dijo sobre la noticia de la sección de la UNRISD: “Siempre es un orgullo porque se trata del trabajo de uno y, especialmente, porque uno trata de comunicar cosas, uno elige el camino que va a andar a través del arte y muchas de mis obras tienen que ver con eso de lo social, o de la denuncia de distintas situaciones en el mundo y obviamente cuando hay una repercusión, cuando el mensaje que se quiere expresar llega a más personas es como un logro personal y hace que uno se sienta orgulloso de su trabajo”.

El artista rosarino trabaja pintando murales en distintos espacios abiertos en localidades del interior de la provincia de Santa Fe y el compromiso social está fuertemente vinculado a la esencia de sus obras.

“El muralismo tiene que ver con el dejar mensajes. Siempre digo que los artistas muralistas, por lo general, cuando tienen que llevar su obra a cielo abierto,  donde los espectadores son desconocidos e innumerables, se tiene pintar pensando en el espectador. Creo que eso hace que baje el ego de uno y suba la intención de poder comunicar algo. Si bien pinto en mi atelier, tengo una pasión muy marcada con pintar a cielo abierto y poder comunicarme”.

Sobre el mural en sí, Pérez barrios consideró que “es un desafío”, y que hoy “el arte tiene mucho de frivolidad y compite con la decoración”, aunque quizás sean modas o etapas, agregó que, a la hora de “hacer obras que inspiren o hagan preguntar cosas, se le da más trascendencia a lo decorativo”, pero que “es parte del juego y no deja de ser un desafío, como están las cosas, la decisión de pintar a cielo abierto con un contenido que suele ser bastante duro”.

Actualmente, el rosarino contó que tiene varios proyectos, pero remarco que los artistas necesitan más respaldo porque, en definitiva, su trabajo es un oficio: “Pagamos impuestos y no es una cuestión de pintar porque se tiene un tiempo libre. Es el trabajo de uno y a veces a nos gustaría más apoyo en ese sentido. Nos pasa al intentar vender nuestras obras y demás.

Yo puedo vivir del arte, obviamente uno lleva una vida sencilla, pero bueno, tengo esa satisfacción y que además me convoquen permanentemente para pintar murales, me dan la temática y me dejan decidir y, en base a eso, hago una composición”.

Finalmente, Pérez Barrios contó que uno de sus murales, que se erige en la Estación Rosario Norte de Rosario, tiene que ver con la migración. Se trata de una obra que habla sobre lo doloroso del destierro, ya sea el tener que haberse ido por razones económicas o por muchas otras. “Hay un alambre de púas y una muñeca enganchada en ese alambre como diciendo: los niños también sufren ese desarraigo al cruzar una frontera”.

El grito de la libélua, mural de Pérez Barrios.

Priscila Freire Yoder. Hierros como obstáculos que impiden sanar.

“Hospital cerrado” es la obra seleccionada de Priscila Freire Yoder, nacida en Córdoba. Desde que terminó sus estudios secundarios su deseo era estudiar Arte, incluso cursó dos años el Profesorado, pero según contó, debió abandonarlo por razones económicas. “Estaba entre estudiar arte o Trabajo Social. El arte me parecía como pintar flores, retratos y cosas lindas para adornar, y me dije: ‘Quiero hacer algo que pueda transformar a la sociedad’, y a la semana se inscribió en la en la Licenciatura en Trabajo Social de la Universidad Nacional de Córdoba (UCA).

Después, se trasladó a Buenos Aires en 2006, creía que iba a ser temporal y regresaría a Córdoba, pero comenzó como Voluntaria en la Asociación Civil  en la que lleva 17 años como integrante. Al tiempo se postuló para una beca de investigación de la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales (FLACSO) y la obtuvo, por lo cual se quedó para desarrollar la maestría en diseño de Políticas y Programas Sociales.

“La vida seguía en la intervención, trabajando desde esta asociación civil y después ingresé a trabajar en el ámbito de la Salud, primero en salas comunitarias y luego en hospitales”.

Sobre la construcción de la obra contó: “No quiero que quede como la obra puntualizar un hospital en un día, en una situación, pero la obra fue pintada a partir de un hospital en un día en una situación. Se cerró la puerta porque había paro. Nunca fui partidaria de los paros que afectan el pueblo contra el pueblo.  Nuca había visto las rejas cerradas del Hospital, la gente siempre entraba y se le decía que había paro y la gente podía llegar a la guardia”

Freire Yoder evocó que siempre que había una medida de fuerza quedaban personas y profesionales en el centro de salud que le daban cierta contención a los pacientes: “Pero ese día se cerraron los portones y no había ni siquiera atención mínima en medio de la sensación del dolor, del sufrimiento, del padecimiento y del decir: ‘No puedo pasar, no puedo acceder a que alguien me calme el dolor’.

La artista plástica y trabajadora social asiste desde su lugar a pacientes que padecen tuberculosis. “La gente llega destruida. Pueden llegar con un dolor fuertísimo, pero para ellos es parte de la vida cotidiana. Hay mujeres  que vienen a tener a su bebé y nunca se hicieron una ecografía”, señaló.

En “Hospital cerrado” la artista detalló que “hay tres personas agarrando barrotes que son obstáculos en el acceso a la salud y que a veces tienen que ver en qué momento de su enfermedad llegan a recibir la atención”.

“¿Qué nos está faltando para que la gente pueda acceder a su diagnóstico, está el acceder también al tratamiento, a la prevención, porque incluso hay enfermedades que no deberían darse? En este momento estamos tratando enfermedades que no deberían existir como la tuberculosis, que yo trabajo tanto y que sigue existiendo”.

“Creo que la gente no tiene que tener barreras para llegar a la salud y a mí me pasó el dolor por las vísceras y por eso mi cuadro es tan visceral. Le ves la mirada, lo ves por dentro, le ves los pulmones lastimados, hay una mujer embarazada y el bebé está con una expresión como diciendo ¿Qué va a ser de mí? Es lo que intenté mostrar.

Inspirada en el pintor ecuatoriano Oswaldo Aparicio Guayasamín, fallecido en 1999, Freire Yoder intenta reflejar el concepto humanista del artista que, en un período de su vida,  dejó de pintar cuadros decorativos y con la venta de una de esas obras recorrió América Latina y, cuando volvió a Ecuador, dejó de pintar lo que pintaba para empezar a reflejar el dolor del pueblo y dijo: “Mi arte es un grito de dolor que quiere herir y lastimar”.

“Creo también que mi cuadro no es solamente para mostrar el dolor, sino que intento dar esperanza”, agregó.

La artista contó que en el reverso del cuadro hay una pintura abstracta. La obra está expuesta en el hospital donde trabaja y dijo que cuando la situación en el ámbito laboral es demasiado triste y desgarradora, “cuando ya el dolor es mucho”, lo dan vuelta y muestran la obra abstracta.

La noticia de la preselección y luego de la selección final llegó con mucha emoción. Había enviado dos obras. “Estaba a la expectativa y presentía que alguno iba a encontrar su lugar porque era algo que tal vez no mostraba una belleza estética, pero que es una arte que levanta la voz de los que no tienen voz y que tienen que ser vistos y escuchados.

“Para mí, mi obra es mi trayectoria de dolor. Uno se va del trabajo pensando en que puede allanar el camino, porque algunos tienen una alfombra roja para llegar a la salud y otros tienen miles de obstáculos y tiene que ver con los vacíos, porque hay diez turnos para 500 personas que están haciendo la cola. Soy muy sensible, lo voy absorbiendo y el pincel y la pintura me permiten expresarlo”.

Hospital cerrado, Priscila Freire Yoder.

Carlos Clementt. Entre el agobio, la asfixia y lo injusto.

“Pobreza CEO” es la obra del artista Carlos Clementt quien intentó plasmar el agobio y el grito ante la injusticia en el reparto del dinero en el mundo, señalando la teoría de derrame. “A esta obra la comencé en el año 2021, cuando salió el caso de los Panamá Papers, que provocó en mí una indignación muy grande. Cuando empecé a pintar no lo hice pensando en eso, sino que fue saliendo. La característica de mi pintura es que es abstracta, no es algo figurativo. Me expreso desde el sentimiento y las emociones”, contó a un medio rosarino.

Y amplió: “Empecé a trabajar y de forma inconsciente comencé a chorrear con colores metalizados y vino al consciente que lo podía asociar con la riqueza, con la teoría del derrame. El cuadro está basado en eso, es una pared llena de agujeros donde desborda la riqueza, por eso hablaba de pintura metalizada, como cobre, plata y bronce. Estaba haciendo unos dibujos y tenía un hombre desencajado, con la cara distorsionada y lo recorté, lo probé y lo puse y quedó”.

Clementt comenzó a pintar desde muy chico, pero a inicios de los años 80 un viaje a Brasil cambiaría el rumbo de su vida cuando comenzó a trabajar pintando tablas de surf. De regreso a Rosario continuó pintando sin exponer e integró el grupo “Pintores del Oeste”. Desde hace 16 años trabaja en centros de salud en prevención de adicciones y desarrolla talleres de arteterapia.

“Cuando me lo comunicaron fue algo espectacular, que realmente no me lo esperaba, no me imagina que una obra mía iba a ser expuesta en Suiza. Es un logro importante, de ser un pintor rosarino a ser un pintor internacional, es una puerta que se abre en mi carrera. Hace 30 años que pinto y nunca pasé de las muestras en Rosario, alguna muestra colectiva en Buenos Aires, pero de repente ser reconocido es muy importante.